Дыхание акварели

Лана СОКОЛОВА

Пожалуй, именно так можно охарактеризовать экспозицию акварельных работ Марины Майоровой «Музыка сада», открывшую сезон мансардных выставок в музее Павла Кузнецова. В экспозиции представлено около тридцати акварелей, объединенных общей темой – цветы.

Майорова вернисажист начинающий, это вторая персональная выставка художницы, но в стенах такого выставочного зала, как художественный музей, – первая. Виновница торжества принимала поздравления от друзей и коллег по изостудии, немного смущаясь от торжественности обстановки.

Библиотекарь по образованию и художник по призванию Марина Майорова не оставляла детского увлечения рисунком. Но как бы мы ни старались научиться рисовать по учебникам и книгам, а советы и помощь профессионалов все же много значат, потому и искала Марина Степановна студию, где смогла бы под руководством художников постичь все премудрости живописи. По словам художницы, в 1986 году, найдя народную изостудию при ДК «Техстекло», попала в «опытные» руки руководителя студии Александра Котова. «Когда видишь, как рядом работают профессионалы, то сама начинаешь рисовать так, как нужно и должно», – считает Марина Степановна.

В детстве Марину Майорову больше тянуло к маслу, а не к акварели. Это и неудивительно: если посмотреть, то в наших музеях в основном представлено масло, так что по большому счету многие из нас воспитаны именно на «масле». Поскольку в детстве маслом работать еще, вроде, рано, то любимым инструментом на тот момент стал карандаш. А уж когда начались занятия в студии, то в выбор материала для будущих работ вмешались семейные обстоятельства, и детскую мечту работать маслом пришлось оставить и выбрать акварель. «Я поняла, что очень ошибалась насчет акварели, – рассказала нам Марина Степановна, – когда считала, что главное – это масло. Рассмотрела, что акварель - это очень тонкий материал, которым можно достичь в рисунке гораздо больше, чем я думала».

Акварельная история

Классическая акварель сегодня оказалась практически везде забыта, продолжая существовать лишь в Англии. Между тем, отличаясь силой тона, она по своим изобразительным возможностям во многом превосходит тяжелую, несколько глухую живопись маслом. Известно немало великолепных работ XV–XVII веков, принадлежащих кисти Рубенса, Дюрера, Гольбейна, голландских и фламандских художников.

Во второй половине XVIII века началось мощное развитие английской школы акварельной живописи, которая по сей день считается самой выдающейся. К середине XIX века школы акварельной живописи появились практически во всех странах Европы, включая Россию. Развитие русской акварели в XIX веке связано с именами Ивана Раулова, Людвига Премацци, Платона Бориспольца, братьев Чернецовых. В 1839 г. группой русских художников был изготовлен альбом акварельных рисунков, поднесенный императору Александру II во время посещения им Рима.

Акварельная живопись России достигла исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. К сожалению, в XX веке многослойная акварельная техника была почти забыта; отчасти это было связано с тем, что многие новые краски, введенные в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными и быстро выцветающими.

Вопрос о долговечности акварели волнует многих, вызывая жаркие споры. Почему же возникло «сгорание» краски в акварелях? Действительно ли нельзя без опасений за сохранность картины просто повесить ее на стену?

В акварелях старых мастеров лист сохраняет белизну, а краски не гаснут. Например, в английских замках старые акварели и сегодня, начиная с XVIII века, висят на своих привычных местах, не боясь света и воздействия времени. В чем же секрет? Секрет, как это ни парадоксально, весьма прост – внимание к бумаге, ее качеству, значение свойств красок. Живописцы прошлого это всегда понимали и не забывали.

В конце XIX века промышленники предложили много новых сортов бумаги. Чрезмерная вера в достижения химии допустила появление на рынке товара, непригодного для художников, но дешевого и усиленно рекламировавшегося. Результаты мы видим в музейных залах, когда акварельные произведения (например, Врубеля, мало обращавшего внимания на технологические вопросы) почти не экспонируются или при показе закрываются в витринах специальной темной, не пропускающей свет, тканью. И если сегодня еще можно найти качественные краски, то с бумагой дело обстоит сложнее – в нашей стране уже давно не выпускают бумагу, пригодную для акварельной живописи. Зная это, опытные художники используют сорта бумаги, которые по старым технологиям производятся на Западе. Понятно, что это удовольствие весьма недешевое, но созданное на ней произведение способно прожить не одно столетие.

Цветочная рапсодия

В работах Марины Майоровой мы видим и королеву садов розу, и нежные цветы жасмина, и яркие садовые маки. Главными персонажами натюрмортов тоже выступают цветы – ярко-красные розы, белые шары хризантем, ромашки, невзрачные на первый взгляд сухоцветы. Желтая веточка пушистой мимозы, с советских времен ставшая символом весны и непременным атрибутом 8 марта, скромно стоящая в стеклянном стакане, напоминает о булгаковской Маргарите; помните: «Она несла в руках отвратительные, тревожные желтые цветы…».

Акварель позволяет Майровой войти в свой мир и использовать ее волшебные свойства – стекание, смешение, текучесть. Воздушная и легкая живопись акварельными красками по сырой бумаге позволяет получить красочные цветовые переходы («Ромашки»).

Картины, созданные Майоровой, сочетают в себе реалистичность передачи сюжета с плавными, легкими акварельными мазками. Простенький садовый вьюнок на серой балконной стене, по мнению художницы, передает определенное внутреннее состояние, в чем-то близкое восточной философии.

В единстве с природой – лейтмотив работ Марины Майоровой на майской выставке. Художница считает, что в природе все органично и совершенно, надо лишь это увидеть и передать посредством определенных живописных приемов.

Адрес статьи на сайте:
http://www.bogatej.ru/?chamber=maix&art_id=0&article=12052011124453&oldnumber=575